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[Lord Skeletor]

On a beaucoup parlé de l'utilité et de la manière de sonoriser des parties de JdR, sur les anciens forums de la Cour. Des pistes en termes d'albums, de BOF, de groupes ont été lancées.

Toutefois, je trouve que les discussions sont restées très génériques. Pas de description détaillée d'un morceau ou d'un passage musical particulier ni de discussion de leur adaptation à une scène de jeu ou à une ambiance spécifiques.

J'ai envie de donner mon avis sur certaines pistes bien ou mal connues, fréquemment (ou pas) utilisées en JdR.

"Main titles", Thème de Conan le Barbare, de Basil Poledouris

Les percussions sourdes des timbales du début accompagnent une image presque fixe de plaine, puis vient le commentaire parlé par-dessus.

Les timbales reviennent de manière récurrente dans la musique du premier Conan. Elles sont une manière de fixer l'époque antique, à la fois civilisée et décadente du film, en ce que les timbales sont à la fois : Des percussions élaborées et relativement récentes (en métal au niveau de la caisse de résonance, et dont la conception permet de les accorder selon une note particulière), signe de civilisation, et à la fois primitives, comme tous les instruments percussifs.

En écoutant la rythmique du thème, on s'apercevra que le rythme des percussions est syncopé, complexe, et se refuse à tomber dans un système binaire. Les syncopes rendent chaotique le rythme : Le film se déroule dans une époque de désordre et de liberté, où tout peut arriver.

La mélodie : Au cuivre. Simple et brutale, rappelant une chasse par certaines harmonies. Le thème de base est en réalité constitué essentiellement de la percussion et de la mélodie aux cuivres. Tout le reste vient ajouter aux percussions (triangles, clochettes).

Le thème intermédiaire, entendu pour la première fois après les deux énonciations du thème principal, introduit les instruments à cordes. Plus mélodique, il introduit des accords de cuivre de type "chasse", et les timbales s'arrêtent.

Cette partie semble indiquer que le film ne va pas parler que de force brute, il a aussi des instants lyriques. L'image vue au moment de cette phrase mélodique est celle d'une barre de métal en train d'être refroidie dans la neige.

Le thème percussif reprend alors que le forgeron frappe sur la barre de métal pour en faire une épée d'acier.

L'aspect guerrier se durcit progressivement à travers la musique, pour atteindre son paroxysme avec plusieurs mélodies de cuivres superposées.

C'est, techniquement, l'une des meilleures musiques de films qui soient, en ce qu'elle a réussi à capturer l'essence même du film en quelques phrases musicales.

En JdR, je l'utiliserais pour illustrer musicalement... L'ouverture d'une partie de Conan RPG : On ne peut pas faire plus adapté.

"The Orgy" dans Conan le Barbare, de Basil Poledouris

Il s'agit ici d'un morceau illustrant une scène où les adeptes d'un culte décadent sont plongés dans une orgie de sexe, de drogue, et de nourriture à base de chair humaine.

Ecoutez bien les similarités et les contrastes avec le précédent morceau.

Ici, il s'agit d'un rythme binaire et ternaire à la fois (6/8 - pour faire plaisir à Staseman) et non plus syncopé, un balancement avec les instruments à cordes qui implique une certaine langueur. C'est une rythmique simple, qui stimule, comme tous les rythmes à pulsations régulières, les fonctions cérébrales les plus primitives.

La mélodie, assez aigue et lyrique sans être complètement aérienne, est empesée par les timbales, et, similarité avec la musique précédente, par l'utilisation prépondérante de la tonique et de la dominante de la gamme utilisée : Sol - ré - sol - ré (en clé de sol) : Derrière la civilisation apparente, barbarie des moeurs de cette époque perdue.

En JdR, je l'utiliserais pour illustrer musicalement une orgie (ça tombe bien), un repas, une scène intime, ou la prise d'une drogue par un PJ.


"Van chase", BOF Robocop, de Basil Poledouris

Une bonne scène d'action. Poursuite en voiture très violente, qui se termine par une entrée de deux policiers dans une aciérie désaffectée, où le personnage principal est destiné à se faire trucider.

Un accord très violent : Les poursuivis viennent de jeter un de leurs camarades blessé sur la voiture des policiers qui fait une embardée.

Juste après, écoutez bien, l'accord qui marque l'entrée dans l'aciérie comporte un son de cloche : C'est le glas qui sonne pour le policier qui entre dans l'endroit d'où il ne sortira pas vivant.

Ensuite, mélodie non cyclique et partiellement atonale, tension qui monte progressivement symbolisée par une basse continue avec de longues notes sur un mode mineur (qui n'augure rien de bon) et une petite mélodie discrète et aigüe et percussive, qui suit l'excitation des policiers sur la piste des délinquants qu'ils avaient pris en chasse en voiture.

En JdR, j'utiliserais très volontiers la première partie du morceau pour une scène d'action contemporaine, une poursuite, un combat.

La seconde partie du morceau correspondrait plus à une exploration, une enquête dans un lieu inconnu.

"Clarence frags Bob", BOF Robocop, de Basil Poledouris

Il s'agit de l'un des très nombreux exemples de manière de faire gonfler artificiellement la tension / le stress d'une scène en utilisant à la fois :

- un intervalle de 4 octaves ou plus (ici, d'après mes souvenirs, il y en a 5) entre des parties musicales juxtaposées ;

- une augmentation progressive du nombre d'instruments ;

- un crescendo.

Le tueur Clarence Boddicker entré chez le yuppie Bob Morton, lui a bousillé les cuisses et les genoux à coups de pistolet, puis, au moment où la musique commence, lui montre une vidéo enregistrée par l'ennemi personnel de Bob.

A mi-chemin du morceau musical, Clarence dépose une grenade dégoupillée sur la table basse avant de partir : La musique s'intensifie désespérément alors que Bob Morton se traîne lamentablement en essayant d'atteindre la grenade, et même le motif répétitif de la mélodie se raccourcit (passant - en clef de sol - de "mi mi fa# fa# sol sool, sol sol mi faaa#" à seulement "sol sol mi faaa#, sol sol mi faaa#") alors que le pauvre Bob  finit par toucher la grenade et la faire tomber sur le côté à l'extrême fin du morceau.

On pourra remarquer que la musique s'arrête sur une note sensible : sol - sol - mi - faaaaa#, alors que la cadence semble appeler un accord final. Dans le film, cet accord final est l'explosion spectaculaire de la maison : Pas besoin d'un accord final pour désamorcer (ha ha!) la tension, puisque le risque craint pendant la séquence se réalise.

Si la grenade avait été atteinte et désamorcée/jetée par la fenêtre, sauvant la vie de Bob, il eut probablement été nécessaire de prévoir un accord ou une série d'accord finaux, afin d'accompagner émotionnellement la victoire de Bob / chute brutale de tension du spectateur.

En JdR, ce morceau est adaptable à n'importe quelle situation où le meneur souhaite progressivement (mais assez rapidement) augmenter la tension de ses joueurs. Fonctionne mieux avec un JdR contemporain en raison de la présence d'instruments modernes (synthétiseurs).

[Alias]

À peu près n'importe quoi de Hans Zimmer: baston!

Note: ça marche aussi avec du Nightwish, mais seulement si ce sont des anges qui se frittent avec de grosses épées.

[Acritarche]

J'utilise souvent la plage Agnus Dei sur l'album "Baphomet" écrit par HR Giger et Akron , interprêtée par Epilepsy.

Ca commence doucement par un rythme lent à la grosse caisse distordue. Le rythme s'intensifie lentement au fur et à mesure que les instruments se rajoutent pour exploser dans un climax épique à souhait. Puis ça retombe avec en fond la même grosse caisse distordue.

L'effet de début et de fin est très tellurique et donne vraiment l'impression d'une armée en marche ou qui se met en position. Par contre le cilmax trépidant traduit bien l'impression d'une charge ou d'une bataille.

Parfois difficile à doser car le climax est court, mais très utile pour lancer une scène de bataille ou de siège. Ambiance garantie!

Marche extrêmement bien pour une rencontre avec un Chevalier tonnerre comme celle qui est dans la BD.

[AlexS]

Exactement le genre de fil que j'aime, car mes à cause de mes connaissances musicales inexistantes, cela m'est particulièrement utile!

Est-ce que vous auriez le même genre de suggestion pour du contemporain?

- Scènes de suspense
- Scènes d'angoisse
- Scènes d'action
- Évocations de joie et tristesse

etc...

[killerklown]

Personnellement pour planter une ambiance "pluvieuse" contemporaine j'utilise la BO de mad city, le film avec dustin hoffman.
L'avantage de cette BO est qu'elle est très mélancolique pendant tout le cd et peut donc être utilisée quasi en boucle (seul une plage commence avec des sirènes de polices qui se démarquent du reste du morceau).
Pour les ambiances Steampunk j'utilise la musique du jeu Arcanum, qui est elle aussi assez monotone, tout au violoncelle. Et pour les combats dans le même monde c'est l'un des albums d'apocalyctica, lui aussi au violoncelle, mais un peu plus "agressif"  .

[Naash]

Bratja (dans Full Metal Alchemist) peut accompagner une scène où le sens du devoir et la fatalité sont prédominants. C'est un air plutôt doux et triste, mais j'ai décidé de l'utiliser pour accompagner un combat sanglant coupé par un flashback. Ca a d'abord donné un effet décalé, puis, quand le flashback est arrivé, ça a collé si bien que la fin du combat a pris une dimension solennelle. Je ne suis pas mécontent de cet effet.

Un exemple d'effet raté : j'ai voulu utiliser I'm yours de Jason Mraz, une très jolie chanson, plutôt gai, pour donner du volume à une cinématique décrivant une vie heureuse (celle de Brand, il y a longtemps) au début du scénar. Ca n'a pas eu l'effet voulu. J'avais espéré créer un effet ironique car mes PJ avait été jetés en prison à la fin du scénar précédent. Ils commanceraient donc l'action emprisonnés et condamnés à mort.
Mais je n'ai obtenu que de la perplexité : l'ironie était là mais la chanson a rendu la scène idyllique trop peu crédible.

Ca fait longtemps que je m'entraine à conter une scène de bataille avec, en fond sonore, Requiem for a dream. Je ne m'y suis pas encore essayé. Je ne suis pas encore prêt. Les émotions inspirées par le morceau ne sont pas uniformes et ça demande par conséquent  un travail beaucoup plus important.

[Cuchulain]

Je ne peux pas parler en termes aussi précis que le père LS (qui au lieu de blablater ferait bien de répondre à ses SMS cela dit en passant  ) mais j'ai utilisé l'album d'Iron Maiden "Fear of the dark" pour du Cthulhu et ça marche pas mal du tout... Le morceau éponyme commence par un petit solo de guitare bien angoissant pendant une vingtaine de secondes, puis le chanteur commence la chanson pendant une minute pour tout d'un coup partir rapidement ! Je le vois bien pour un cthulhu ou autre JDR fantastique ou la tension monte tout doucement et d'un coup le "Monstre" fait son apparition, provoquant une fuite ou un combat désespéré...

le lien youtube pour écouter : http://youtube.com/watch?v=Xx8HwFpxv54

Autre morceau du groupe : "Aces High"  : qui est idéal pour les scènes de baston effrénées ! je l'ai utilisé pour du Feng Shui, mais tout jeu ou ça castagne peut convenir. et franchement c'est très entrainant sans que ça beugle...
http://youtube.com/watch?v=4Sam5omG0v0 (le morceau sur l'album ne comporte pas le speech de churchill)

Comme BO en général : Elektra, plusieurs morceaux peuvent très bien sonoriser vos scènes de combat.

[Lord Skeletor]

J'aimerais répondre à toutes les interventions, mais il y en a beaucoup.

Ca fait longtemps que je m'entraine à conter une scène de bataille avec, en fond sonore, Requiem for a dream. Je ne m'y suis pas encore essayé. Je ne suis pas encore prêt. Les émotions inspirées par le morceau ne sont pas uniformes et ça demande par conséquent  un travail beaucoup plus important.

Je viens de découvrir ce moreceau grâce à http://www.deezer.com, et je te livre mes impressions en bloc, à la suite de mes trois écoutes.

Le morceau commence dans une tessiture basse et moyenne, ce qui permet de fixer la "basse continue" dans l'oreille de l'auditeur.

Le mode est mineur, la gamme est descendante, donc le morceau en appelle probablement à des émotions sinon négatives, du moins pas forcément agréables.

A mesure que la musique se déploie, le morceau prend une certaine ampleur, avec le crescendo de la basse continue, mais surtout avec l'apparition des choeurs à 10 secondes du début. Il se passe toujours quelque chose de plus important en termes de message ou d'émotion quand il y a des choeurs.

Un intervalle important avec la partie aigüe des cordes apparaît vers la 24e seconde, et les choeurs , et augmente instantanément la puissance évocatrice de la musique.

A partir de la 46e seconde environ, les aigus sont essentiellement caractérisés par un motif répétitif et dissonnant, dû à des accords de seconde au niveau des cordes, qui génère par lui-même non pas une tension, mais un malaise, à la rigueur une mélancolie.

Un relâchement ensuite, un passage à des choeurs simples, et graves, avec une certaine douceur (à 1:26).

Une attente.

Un rappel du thème, un ralentissement, on a l'impression que ça se termine, mais la basse continue reprend progressivement, ça n'est pas fini : L'ensemble des instruments de l'orchestre interviennent en crescendo. Le motif dissonnant domine l'ensemble de la musique, accentué par un canon de la mélodie, soutenu par les cordes basses (violoncelles et contrebasses), puis ceux-ci s'effacent, et laissent le champ libre aux choeurs : A ce moment, l'impression de tension entre grave et aigus est renforcée par le silence des instruments de tessiture moyenne.

Effectivement, il s'agit d'un choix possible pour la description d'une scène de bataille épique.

Cependant, il est difficile d'adapter cette musique à la description d'une scène de bataille pour les raisons suivantes :

Ce morceau est long. Il fait un peu plus de 4 minutes, et pour décrire une bataille, narrer, conter, il va falloir tenir le crachoir pendant tout ce temps : Et pendant ce temps, les joueurs seront passifs.

Ce morceau n'offre que peu de variation à partir d'1 minute et 30 secondes. Le motif est très répétitif, sans offrir un tempo assez rapide pour stimuler les joueurs et leur donner envie d'interagir. Il s'agit d'une séquence de grande ampleur.

L'option la plus facile d'accès serait donc, à mon sens, de limiter l'utilisation de ce morceau à sa première partie.

A la limite, elle serait peut-être mieux indiquée pour accentuer une scène émotionnellement très, très, très, très, chargée - de manière négative : tristesse, désespoir, amour contrarié, folie - entre des PJ.

[Alias]

Pour les ambiances très, très sombres, je recommande à peu près tout d'Elend, mais particulièrement le second cycle Sunwar The Dead, Winds Devouring Men et A World in their Screams.

C'est une orchestration classique, parfois très minimaliste, avec des parties parlées ou murmurées. J'appelle ça de la musique pour messe noire, ou la bande originale de la fin du monde. J'ai arrêté de les écouter en boucle, trop flippant... Je ne sais pas trop si on peut les utiliser en jeu de rôle; peut-être pour une descente aux enfers antiques.

Curieusement, c'est le genre de disque qui a tendance à se retrouver dans le rayon métal, même si ça n'a musicalement pas grand-chose à voir.

http://www.elend-music.org/

[Naash]

Et pendant ce temps, les joueurs seront passifs.

En fait non. Et c'est d'ailleurs la cause de la difficulté. Je compte permettre aux PJ dinteragir. Bien évidemment, cela suppose d'avoir des joueurs disciplinés qui savent se taire sur un simple signe de la main de la part du MJ. Cela suppose aussi de jouer la scène (ou plutôt les scènes car les personnages seront alors dans des lieux différents) sans faire le moindre jet de dé. Enfin, il faut que les décisions que doivent prendre les PJ  aient une importance sur la description de la scène mais une importance moindre sur l'événementiel.

Merci pour l'étude du morceau LS. Je ne m'y connais absolument pas en musique alors je n'aurais pas pu le faire moi-même. Ca m'aidera surement.

[axis.mundi]

Ca fait longtemps que je m'entraine à conter une scène de bataille avec, en fond sonore, Requiem for a dream. Je ne m'y suis pas encore essayé. Je ne suis pas encore prêt. Les émotions inspirées par le morceau ne sont pas uniformes et ça demande par conséquent  un travail beaucoup plus important.

Il existe une version "épique" de Requiem for a dream remixée pour la B.A des deux tours. Elle se prette plus au médiéval que la version originale.

A écoute sur radioblog ici

Mais vous parlez peut-être déjà de celle la ?

[Naash]

Je n'ai pas réussi à lire la piste sur le lien mais j'ai déjà entendu la BA. Il s'agit bien de la version original de Requiem for a dream. C'est de cette version dont je m'inspire.

[axis.mundi]

J'aime beaucoup l'original, mais pour une bonne bataille épique je prefère l'autre, mais c'est personnelle

[Lord Skeletor]

Je continue mon effort d'analyse de morceaux illustratifs ou utiles à la sonorisation de scènes spécifiques en JdR.

Un morceau particulièrement intéressant :

"Château" de Rob Dougan, dans la BOF Matrix Reloaded

On peut connaître et apprécier ou non la bande originale de Don Davis (et notamment les leitmotivs principaux des trois films, dont je parlerai peut-être à l'occasion), mais il y a aussi des choses très intéressantes émanant d'autres artistes ayant participé à l'illustration musicale de la trilogie des frère et soeur Wachowski.

"Château" de Rob Dougan est un morceau double, consistant en la superposition d'une partie "moderne/pop/rock" et d'une partie "orchestrale", option fréquente depuis les musiques de films des années 60 & 70 (cf. BOF de "Together Brothers", de Barry White, datant de 1974), mais tombée un peu en désuétude depuis les années 80 (mais semble revenir au goût du jour depuis le début du nouveau siècle).

Pour la partie "rock", elle est très percussive, à la caisse claire et aux cymbales, donnant une cohérence rythmique à l'ensemble, et des synthétiseurs avec des effets de pan complètent le caractère ultramoderne technoïde de cette partie.

Pour la partie "orchestrale", elle est peu mélodique, mais essentiellement verticale (par accords), contrapuntique, et composée en grande majorité de cuivres. Cette triple caractéristique est assez topique des accords "bondiens", dans bandes originales de John Barry : C'est un signe clair que la scène doit se dérouler dans l'aventure pure, dans le spectaculaire le plus outrageux.

Le morceau est découpé en trois phases, qui se distinguent les unes des autres par la répartition de l'orchestration, qui devient à chaque phase un peu plus complexe et plus "forte", avec des superpositions d'instruments de plus en plus nombreux, des accords de plus en plus larges, des contrepoints de plus en plus syncopés.

C'est flamboyant, c'est de l'action, ça dépote, c'est ultra-rythmé.

En termes de jeu : "Château" est particulièrement intéressant pour la sonorisation d'une scène d'action et/ou de poursuite dans un cadre moderne, quand cette scène tend à se complexifier à mesure que des éléments s'ajoutent à la difficulté de la scène ou du combat.

[Lord Skeletor]

Je continue sur une autre analyse musicale.

"Nice boat", de John E. Davis, de la BO de l'épisode "Cattle King" de la série "Mission Impossible : 20 ans après"

Peu important le caractère médiocre de la série "Mission Impossible : 20 ans après", on y trouve quand même parfois quelques joyaux d'orchestration intelligente.

Je ne vous apprendrai pas que l'auteur de la musique de la série originale "Mission : Impossible" était le grand Lalo Schifrin, qui a donné son identité musicale à la série, ses thématiques jazzy et latines, ainsi que ses leitmotivs les plus célèbres.

"Mission Impossible : 20 ans après" se voulait une modernisation de la série originale (ce fut au mieux un délavage eighties rendant innoffensif le concept initial), et la musique n'y fait pas exception.

Si on trouve en générique une reprise efficace du célèbre thème, le reste n'est en général pas vraiment fameux, sauf lorsqu'il s'agit de remakes/réorchestrations des thèmes de Lalo Schifrin.

Parmi ces réorchestrations réussies, "Nice boat".

"Nice boat" reprend le deuxième plus célèbre thème de Lalo Schifrin pour Mission : Impossible, le thème intermédiaire de "The Plot", en l'orchestrant de manière différente. Il n'est cependant pas très reconnaissable en raison de cette orchestration nouvelle, ce qui est très utile afin d'illustrer musicalement une scène sans faire réagir les joueurs ("Oah ! Mission : Impossible !").

Il s'agit d'un morceau lent, en mode mineur, et au synthétiseur. Il convient donc mieux à une scène contemporaine qu'à une scène antique.

Le morceau reprend pour la partition la plus basse la mélodie de "The Plot". La mélodie est soutenue par une partie aigüe en contrepoint.

Ce morceau se caractérise par son minimalisme. On dénombre au maximum 4 parties jouant piano durant la quasi-totalité de la piste, et de nombreux silences. Il s'agit d'un morceau calme, qui devrait donc illustrer une scène à l'action feutrée, qui n'est pas exclusive d'une notion de discrétion.

L'intervalle relativement important (très souvent supérieur à une octave) entre la mélodie et le contrepoint, ainsi que les dissonnances périodiques (des intervalles de septième augmentée) induisent un léger suspense, qui demeure constante tout au long du morceau : La scène n'est pas anodine, et il se passe quelque chose d'important.

En termes de jeu : Le minimalisme de ce morceau convient parfaitement à une scène nocturne et contemporaine, non dénuée de tension. Elle illustrerait à la perfection un cambriolage, une filature de nuit, une infiltration par des agents d'Aegis ou de l'E-branch...